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ONLY BE PARISIEN
Only Be Paris
…parfois, on a juste besoin d
Le punk, clairement et comme le disent les graffitis que nous pouvons trouver dans beaucoup de villes, n’est pas mort, mais il est aussi vrai qu’il n’y a pas beaucoup de groupes qui réussissent à maintenir vivant l’héritage que les Sex Pistols ou The Clash ont laissé. L’un d’entre eux est sans aucun doute The Offspring. Ce groupe, qui est né en Californie, zone où résident quelques-uns des plus importants groupes de punk qui jouent actuellement. Il s’est formé en 1984 et est intégré par Dexter Holland, qui en plus d’être le guitariste rythmique, chante, Kevin “Noodles” Wasserman, a la guitare principale, Greg K à la basse et Pete Parada a la batterie. Bien qu’il ait déjà 27 ans et une grande quantité de disques à son actif, le groupe continue à jouer avec la même force qu’à son début. The Offspring ont vendu 35 millions de disques dans le monde entier tout au long de leur carrière, surtout grâce à a “Smash” qui a été leur meilleur album et celui qui les a mené au sommet et les a fait connaître du mainstream. En 2005 ils ont sorti une compilation de leur plus grands succès, qui est idéale pour tous ceux qui n’ont pas envie d’écouter à peu près une dizaine de disques et qui veulent connaître le meilleur des californiens. Depuis leur naissance The Offspring ont sorti 8 albums de studio, ils ont gagné une dizaine de prix et ont réussi à se maintenir comme un des groupes les plus importants en matière de punk rock. Actuellement, le groupe est en train de réaliser une tournée mondiale...
…parfois, on a juste besoin d
Le Musée d´Art Moderne de Paris présente jusqu´au 4 septembre l´exposition monographique sur le peintre contemporain français Marc Desgrandchamps. L´exposition rétrospective montre la totalité du travail pictural de Desgrandchamps, incluant plusieurs peintures inédites appartenant à des collections privées, pour mettre en évidence sa qualité esthétique qui lui a valu d´être considéré comme l´un des précurseurs de la réapparition de la peinture en France. L´exposition est organisée autour de quarante peintures de grand format et diverse œuvres sur papier, où l´on distingue des gouaches, des dessins, des collages et des lithographies. C´est un intéressant matériel où l´on peut voir totalement le processus d´évolution de l´artiste et sa recherche d´un courant propre, loin des modes et des exigences du marché de l´art. Marc Desgrandchamps vie et travail à Lyon et il fit ses études à Aix-en-Provence et à Paris. Il fit sa première exposition au Centre Georges Pompidou en 1987, quand la critique et le publique recherchait l´art conceptuel et que la peinture avait été rangée dans un coin, comme la sœur stupide de l´art. Malgré tout cela, sa perfection et son identité particulière l´on converti en un représentant de l´art contemporain dans la peinture. De ses débuts à nos jours, sa peinture a changée. Son tracé a divagué depuis la peinture classique, avec des lignes démarquées, à une peinture avec des lignes subtiles qui jouent avec le concept de superposition et de la translucidité, générant une impression onirique au spectateur qui découvre dans les couches une synthèse de la mémoire insaisissable. Son utilisation des couleurs, qui apparaissent dans ses œuvres avec une apparence fluide, l´assimilent aux modernistes ainsi qu´aux œuvres...
picasso-paris
Le Musée Picasso de Barcelone présente du 1er juillet au 16 octobre l´exposition “Dévorer Paris. Picasso 1900-1907″ qui comme son nom l´indique montre l´évolution de l´artiste depuis son arrivé dans la capitale française. La présentation fut organisée autant par le Musée Van Gogh d´Hollande que par l´Action Culturel Espagnole et avec la collaboration de Endesa en tant que sponsor. Picasso arrive à Paris en 1900 et presque dix ans plus tard, il est déjà reconnu comme un des principaux auteurs d´avant-gardes de la ville et en plus il est à la tête de ce mouvement. Durant cette période l´homme de Malaga eut la possibilité de voir les œuvres de Gauguin, Puvis de Chavannes, Van Gogh, Steinlen, Rodin et Toulouse-Lautrec entre beaucoup d´autres. Comme on peut l´imaginer, le fait d´observer tout ses excellents artistes provoqua un grand changement dans la tête de l´espagnol qui incorpora dans son art beaucoup de caractéristiques de ces grands artistes. C´est pour cette raison que Picasso explora beaucoup de nouvelles techniques. Dans “Dévorer Paris. Picasso 1900-1907″ on pourra observer au moins 50 œuvres de l´espagnol faites à travers de différents supports et comme si c´était peu, exactement 47 autres peintures de quelques uns des artistes les plus importants de l´histoire comme Cézanne, Van Gogh et Rodin entre autres. L´idée de tout cela est non seulement de profiter de ces œuvres mais aussi de voir ce que Picasso prenait de ces œuvres pour l´appliquer dans les siennes et comment évolua son style grâce à ses années à Paris. Van Gogh fut un des rares artistes plastiques pour lequel Picasso annonça son admiration et respect. C´est justement...
paris-rock-en-seine
Combien de fois encore vont ils essayer de nous faire prendre des vessies pour des lanternes. C´est à dire qu´est-ce que la musique moderne de nos jours. Par moderne: on entend: Pop. Si on analyse un peu les coïncidences, les flux et les reflux de l’évolution de la musique Rock lors des 60 dernières années, nous comprendrons qu´il ne s´agissait pas non seulement de tisser des sons et des images et par la même occasion, créer et produire des disques pour les jeunes adolescents qui en pinçaient pour Elvis, les Beatles, etc… Ce qui est curieux, c´est l´impact qu´ont ces artistes sur la la vie quotidienne, ce qui, en général, n´arrive pas si souvent. On peut dire qu´un personnage comme Lady Gaga peut arriver à changer la vie culturelle. Gaga, en tant que telle, a forcé l´icône au grade du fétichisme maximum du kitch. Son intervention n´est finalement rien de plus que le mélange d´un mélange; Ziggy Stardust devrait être en train de se retourner dans sa tombe, convulsant d´horreur de ce qui fut engendré des années plus tard, à vouloir prendre sa place, depuis d´autres frontières. A ce jour, le Pop n´est rien d´autre qu´une chatouille au système, ce n´est rien de plus qu´une blague à laquelle on participe tous, et dont peu de nous sommes finalement conscients. L´ Indie Rock n´apporte pas grand chose non plus. A la création d´immenses magasins de disques, blogs, sites internet, le fût my space, maintenant facebook, et tous les réseaux sociaux que tu peux t´imaginer, le son de la musique s´épuise sur cette planète. Le mp3, dans un sens, est pratique,...
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Quand nous nous trouvons face à une œuvre d’art nous sentons des émotions et beaucoup de sensations passer par notre corps, mais si cette œuvre parle en plus de sexualité et d’érotisme elle nous plait encore plus. C’est pour cela que ce livre appelé La petite mort est si convoité par les fanatiques de littérature érotique. En français la phrase ‘petite mort’ est utilisé pour nommer l’orgasme et l’auteur de ce livre, le photographe canadien Will Santillo, c’est accroché à cette idée pour créer la ligne éditoriale de son livre. Il disait que si l’orgasme était une petite mort, la masturbation pourrait être un petit suicide. Et c’est le thème qu’il développe au coté de l’éditrice Dian Hanson, avec laquelle il forma une excellente équipe. Will Santillo c’est chargé, pendant huit ans de photographier des femmes pendant qu’elles se masturbaient et Dian Hanson interviewa ces femmes et d’autres pour créer ce livre qui combine idéologie, sensualité et sexualité explicite. C’est un plaisir de le lire en couple et d’observer les différences entre les femmes : il y en a des jeunes, des adultes, des maigres, des rondes, des grandes et des petites car l’orgasme est satisfaisant de la même façon pour tout le monde. Mais le livre n’a pas seulement des photos érotiques de femmes, il défend aussi une posture progressive et parle du pouvoir qu’ont (ou n’ont pas) les femmes. Les femmes de plus de cinquante ans qui posèrent pour ces photos, dirent qu’elles le faisaient pour que leur filles aient une vie meilleure et elles faisaient référence à ce qu’elles soient plus libres et aient de meilleures possibilités...
claude-cahun-paris
La Galerie Nationale du Jeu de Paume expose Rétrospective de Claude Cahun jusqu´au 25 septembre de cette année. L´exposition, dont les commissaires sont Juan Vicente Aliaga et Francisco Leperlier, est organisée par le Jeu de Paume et co-produite par l´institut d´Art de Chicago et la Virreina Centre Imatge de Barcelone. La rétrospective dédiée à l´écrivaine, actrice et photographe surréaliste cherche à sauver le caractère de son œuvre iconoclaste et presque inconnue, qui en 16 ans d´absence dans les salles d´exposition de France, revient au musée d´art contemporain Galerie Nationale du Jeu de Paume, afin que les nouvelles générations «connaissent son œuvre et les défis auxquels cette femme du se confronter avec la société de son époque» expliqua Juan Vicente Aliaga. L´exposition présente 140 travaux et documents qui ont été prêtés par le Centre Pompidou de Paris, l´Institut Valeriano d´Art Moderne et la National Gallery d´Australie de Canberra, plus quelques collections privées qui n´ont jamais été exposées. Lucy Renée Mathilde Schwob, vrai nom de Claude Cahun, naquît à Nantes, en France, en 1894. N´ayant pas peur des challenges, anarchiste et révolutionnaire depuis jeune, elle adopta le nom du frère de son grand-père León Cahun et rompit avec tous les schémas de l´époque en reconnaissant son homosexualité dans une France conservatrice. En 1920 elle partit vivre à Paris avec sa compagne Suzane Malherbe (connue sous le pseudonyme de Marcel Moore), avec qui elle partage les mêmes inquiétudes intellectuelles et avec qui elle commence à écrire pour le Mercure de France. La littérature, le théâtre et la photographie parcourent ses veines, autant que les idées de transformer la société depuis ses racines....
santu-mofokeng-paris
Jusqu’au 25 septembre sera exhibée à la Galerie Nationale du Jeu de Paume, Chasseur d’hombre, une rétrospective de l’œuvre photographique de Santu Mofokeng. L’exposition du photographe le plus important d’Afrique du Sud, correspond au travail réalisé au terme de l’apartheid à Johannesburg et au début de la transition politique. La rétrospective est organisée, par Corine Diserens, autour de prêt de 200 photographies et diapositives, en plus il y a des textes et des documents qui font référence à son œuvre et d’autres qui font partis de ses écrits. Santu Mofokeng est né à Johannesburg, Afrique du Sud, en 1951. Sans formation académique, il s’initia dans l’informalité photographique dans les rues de Soweto, en la convertissant en une profession qui va lui permettre de capter de façon privilégiée le processus politique que vie son pays dans les années 80. Soweto est situé à 24 kilomètres de Johannesburg et fut construite pour y installer les personnes de race noire qui vivaient dans les zones blanches durant l’apartheid. L’entassement des noirs à Soweto et la répression exercée par l’état contre Soweto furent les ingrédients basiques qui provoquèrent la rébellion de 1976, quand le gouvernement annonça que l’éducation serait en afrikaans et non en anglais, sachant que c’était une langue que la population ne connaissait pas. La révolte fut provoquée par le ras-le-bol des agressions et de la vie misérable que l’état blanc imposait à la plus part de la race noire. Cet épisode qui provoqua 575 morts, des centaines de détenus qui furent torturés et un nombre indéterminable de blessés, fut capté par l’objectif de Mofokeng. Appartenant au collectif de photographes antiracistes...
douglas-gordon-paris
Le Musée Rodin de Paris exhibe jusqu’au 4 septembre l’intéressante œuvre Predictable incident Unfamiliar Sorroundings de Douglas Gordon. L’œuvre réalisée en 1995 est une incitation à la révision de l’influence des moyens de communications dans les comportements quotidiens des personnes et à été considérée comme une œuvre clef pour comprendre la proposition esthétique de Gordon. Douglas Gordon est considéré comme l’un des créateurs contemporains les plus remarquables de l’art conceptuel. Avant d’avoir 30 ans il avait déjà frappé sur la table de la critique la plus exigeante avec ses œuvres chargées d’idée cassantes sur la domination dans la société médiatique que nous vivons. Pour Gordon nous avons tous des comportements créés par l’influence de la société médiatique. Nous naissons et quelques mois plus tard nous sommes assis devant l’ordinateur. Ensuite nous grandissons et c’est l’ordinateur qui nous capture avec ses milliers d’images stockées. Tout cela a généré une société et une civilisation dominée par les images. Ça et d’autres choses c’est ce que Gordon essaye de nous faire comprendre dans ses travaux d’installations, où il décompose les images amplement reconnus au travers du cinéma ou de la télévision pour perturber, altérer, surprendre et les resituer dans l’imaginaire préconstruit du spectateur. Tel est le cas de Predictable incident Unfamiliar Sorroundings, où il prend une série d’images sexuelles entre le Capitaine Kira et des actrices protagonistes de la célèbre série américaine Star Trek, qu’il projette depuis un appareil installé sur un tas de canettes de bières Budweiser empilées. L’œuvre n’a pas de son et est divisée en une série de 5 images en diapositives de durées variables. Cette segmentation d’images de...
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Nous devons probablement au poète grec Hésiode la plus ancienne expression conservée (vers le dernier quart du 8ème siècle avant J.-C.) de certains des mythes plus persistants et fertiles de la culture occidentale. En réalité il est probable que sa colossale importance repose précisément sur ça, avoir donné une structure cohérente aux mythes de l’antiquité grec qui devront alimenter la culture et la créativité humaine en occident pendant plus de vingt-cinq siècles. Peut-être grâce à son caractère récurent dans l’histoire de notre civilisation, entre les mythes de Les Travaux et les jours, qui dénotent le caractère essentiellement humain du poème, on remarque en particulier celui des âges de l’homme, qui établi l’existence d’un âge d’or initial régit par Chronos et caractérisé par le bonheur et l’abondance. Il n’est pas exclut qu’il n’y ait pas eut une seule période historique dans le devenir d’Occident dans laquelle on n’ait pas eut la sensation de vivre, en comparaison avec certains âge doré du passé, une période de décadence, de manque d’idées, d’ambition et de créativité. A une époque comme la notre dans laquelle semble se répandre une sensation de crise et de découragement indicative d’une fin de siècle, la tentation de se réfugier dans la nostalgie d’un temps passé où la vie aurait été réellement digne de se nom à tendance à grandir. Le même phénomène est observable dans les différents âges des personnes, dont leur envie de considérer le temps de leur propre jeunesse comme un âge doré extraordinaire à très souvent des lamentables conséquences intellectuelles et vitales. Cependant une fois les précautions conceptuelles nécessaires prisent, la nostalgie comme l’art, nous...
